画风百度百科_画风前卫是指什么生肖

1.浅谈油画人物写生中的主观意识是什么?

2.扁平插画课程-扁平化插画有哪几种,及风格是什么

3.什么是三维立体装饰画

4.黄圣依是35岁，徐子淇也是35岁，同台比美，画风竟如此尴尬？

5.nana的画风叫什么

6.欧洲时装秀太过前卫看不懂，难道时尚就是奇形怪状？

我认为在绘画风格上，《一拳超人》第二季已经崩溃了。据说《一拳超人》原本是一部质量极高的。它从前卫的角度诠释了另一种英雄世界观，是一个更现实的英雄社会。这样一部受欢迎的终于在2015年成功地制作了动画，并吸引了大量伟大的工作人员投入他们所有的努力。《一拳超人》的第一季实际上已经载入了《英雄大厅》(Hall of the Heroes)，这是一部在质量的各个方面都接近满分的综合性作品，一度掀起了世界性的热潮。

就这样一股热潮过渡到今年，我们满怀期待迎来了第二季，但却因为换了制作公司，这个近乎成神的IP从预告片开始就被各大UP主集火围攻，极其不乐观。经费战士变成了欠费战士不说，色彩也大打折扣，打斗分镜大多都是能省则省，屏幕一黑刀光剑影噼里啪啦的就分出胜负，毫无观赏性，武斗大会上琦玉老师的刻画更是从一个哲学老师的劳模形象变成了龙傲天似扮猪吃虎的担当，一切看起来都是那么不值一提，尽管节操社后期的努力让作品的高度重新提升了一下，整部作品看下来基本没有什么值得推崇的打斗镜头，让人唏嘘，特别是在村田老师这么精细的重置版面前，依旧起不了风浪，隔壁骨头社做的《灵能百分百》一集打斗经费就够这一部吃一壶的感觉。

《一拳超人》第二季如期开播，却让观者大失所望。第一集是第一季的总结篇，回忆录。而从第二集开始，才是第二季的故事。相比起第九集，前面的八集画风其实也没有很崩，就是粗糙了点。在第八集播出后，动画停播了两个星期，对漫迷来讲是漫长的等待。有的网友说，两个星期的等待会不会换了画风的提升呢？其实是不会的，因为动漫早就做好了，只是某些原因导致停播而已。

最终漫迷担心的还是发生了，相比之前播出的八集来说，第九集人物画面崩得太严重了。从第九集里面的每一个人物，都出现了不同程度的崩坏。水龙多次面部比例崩坏，与更是相差甚远，KING出现了大小比例不对的眼睛，而且整个脸部看起来都不太协调。这就不是粗糙那么简单了，简直是大崩坏啊。而面对这次的动画有史以来最差的一集，网友也是不淡定了，纷纷吐槽。这一集重要人物全部画风崩了，就连路人都的画风都比主角要好很多啊。作为议论性最强的爆山大爷也是一度脸崩，看起来十分粗糙。

以最新播出的一集来说，又不仅是画风崩坏那么简单。在原本里面打斗其实是琦玉一拳搞定怪人，不过中渲染的气氛，还有画面感都是十分的有气势。然而来到了动画却相对的变得很平淡。也有网友说是导演的功力不够，只会照搬里的分镜，而缺乏了一些细致的镜头表现，所以看上去就平平无奇了。所以我认为就画风来说，《一拳超人》第二季已经是崩了。

浅谈油画人物写生中的主观意识是什么?

现代主义绘画：

现代主义绘画是指20世纪以来，在欧美各国相继出现的、 与西方传统美术截然不同的美术流派的总称。各种流派 名目繁多，其中较为显著的有野兽派、表现派、立体派、 超现实主义、未来派、抽象派等等。这些流派不断交替 更迭，呈现出种种复杂而又光怪陆离的现象。它们在艺 术形式和表现手段上标新立异，以致从根本上否定西方 绘画的写实传统，强调表现画家的主观精神，以象征、 变形或抽象符号来折射、隐喻、暗含外部世界，表现悲观、 扭曲、失落的思想或狂热、烦躁、激动的情绪。这一切都 是西方现代社会与现代精神生活的艺术写照。 题记：其实我对现代主义概念没有一点的影像。 通过这次讨论希望能或得一些东西 一 野兽主义 二十世纪绘画的第一声春雷是在法国秋季沙龙的一片嘲讽声中产生的，野兽主义这个名称 的来由同印象主义画派如出一撤，当一个观赏者带着不屑的鼻音说，“这画就如同一头野兽 一般”，野兽主义从此得名。现在看他的画是如此热情洋溢，但在当时人们是无法接受如此 大胆的作品的，肖像画中人物的脸上居然有不一致的色彩存在，这简直就象是在作弄卫道士 的眼睛。而他们又何曾意识到马蒂斯欲重新建立色彩概念的雄心壮志。他在1908年的《画家 札记》中写道：“奴隶似的再现自然，对于我是不可能的事，我所梦想的艺术没有令人不安 和引人注目的题材，它只是带着平衡、纯洁和肃穆。”（《豪华、宁静与欢乐》1903）。另外一些重要的野兽主义画家是杜非、德兰和弗拉芒克。

扁平插画课程-扁平化插画有哪几种,及风格是什么

■一.意识和潜意识

所谓意识，是人所特有的反映客观现实的高级形式，是人有目的的自觉反映；这种反映，主要表现在认识活动上，即“意识到”的活动上。而所谓潜意识，一般是指不知不觉的、没有意识到的心理活动，不能用言语来表述的。意识是内心里的推理和思考，它会分析各种资讯和数据，意识是经验发展的结果。但潜意识不会思考和推理，它只会本能地对基本情绪做出反应。如果将人的心里比作一棵树,那么露出泥土我们见的到的,感觉的到的树枝树叶乃至果实是意识.而藏在泥土之下我们看不到的,感觉不到的那个错综复杂的根叫做潜意识, 泥土之上会长什么样的枝叶，结什么样的果基本取决于泥土之下的种或根。

伟大的心理学家弗洛伊德认为，意识是与直接感知有关的心理部分，它包括个人现在意识到的和现在虽然没有意识到但可以想起来的；而无意识则是不能被本人意识到的，它包括个人的原始的盲目冲动、各种本能以及出生后和本能有关的欲望。这些冲动、本能、欲望，与社会风俗、习惯、道德、法律不相容而被压抑或被排挤到到意识阈之下（所谓意识阈，是指能否意识到的分界线），但是，它们并没有被消灭，仍然在不自觉地积极地活动着，追求满足。所以，无意识部分是人们过去经验的一个“大仓库”。由于弗洛伊德的无意识具有这样的性质，所以人们把他的无意识称为“潜意识”或者称为下意识。

同时，弗洛伊德把潜意识（无意识）提到了前所未有的高度，而意识只占一个次要的地位。他认为，“精神过程本身都是潜意识的”，他反对把心理学说成是“意识内容的科学”。他不但认为，“有意识的精神过程只不过是一些孤立的过程”，而且还认为有一种“类似潜意识的思维、潜意识的意志这样一种东西”。弗洛伊德甚至主张，心理学的研究对象，主要应该是人的各种潜意识的精神过程，心理学应该是潜意识（无意识）内容的科学。

潜意识是人类原始思想,包括遗传,童年的经历, 过去深刻的回忆和创伤等。潜意识本性是活跃的,不安分守已的,在意识薄弱时,潜意识便闯进意识的领域。

二.绘画史与潜意识

谈到潜意识与绘画艺术的关系，我们认为潜意识在西洋画中有更为突出的表现，特别是后期油画中。众所周知，中国传统儒佛文化始终讲的是“谦和，含蓄，忍让，内敛”等，特别在情感方面是要求克制人的深层本质意识即潜意识的。比如前些年，中国男人的爱情老被形容为“保温瓶”--内热外冷，所以说中国民族文化多少是一种带有压抑色彩的文化，潜意识在中国画中的表现当然是存在的，但是显然在西洋画中有更为突出的表现。

另外，从艺术发展进程可看到强调近代油画的理由。总结出"生物进化论"的西方人,却没有总结"艺术进化论"，但他们的作品的演变，展示了这方面的发展。艺术史进程的情况是复杂的，在一个时代之中，甚至在同一个潮流之内，有"前卫"也有"后卫"，总是会有许多种不同的风格在同时发展，互相影响。艺术风格的更替也不会象电脑产业中"奔腾"淘汰"486"，"WINDOWS"淘汰"DOS" 那么简单明了。

艺术家通过绘画表达意识，便会有个绘画作为传达媒介的表达能力与表达范围、艺术的手段与目的的相互关系的问题存在。艺术手段发展不成熟，艺术意识就无法被表达清楚，艺术意识是随着表达媒介的逐渐成熟而得以被充分传达与展开的，而当意识或潜意识超越了此手段所能传达的范围，便会出现意识或潜意识被传达得迷糊不清或残缺不全的情况。我们再以这个关系来考察西方艺术史，便会得出这样一条线索：十三、十四世纪之前，西方油画家们挣扎着如实描绘自然界，以图驾驭绘画这个工具，这是油画的萌芽、雏形阶段，再现自然的愿望显得困难；；十五、十六世纪，画家们已能很好地掌握绘画技巧，已具备了完整的造型能力，但并不很熟练，工作仍很拘谨，这是油画的发展阶段；到十七世纪，油画达到了它的成熟阶段，这便是巴洛克时期。在这个时期，画家的技巧娴熟完美，艺术的手段与画家的理念达至完美的和谐。

而从二十世纪初开始，西方绘画已经进入了我们所界定的“现代艺术”范畴，绘画技巧已降到次要地位，取而代之的是绘画的形式。画什么并不重要，而重要的是怎么画。西方科学技术的发展促进了社会文明的进步，思想界各种学说的兴起，给已被照相术搞得不知所措的画家们注入了新的。以莫奈为代表的印象派虽然还在摹仿自然，但它已经逐渐抛弃了自然的外表，而有目的的去深究自然的内核；塞尚、凡高、高更则逐渐走出印象派的趣味，更多地去表达他们对客观世界的主观看法；毕加索是一个独树一帜的人物，他的随年龄增长而不断变化的艺术风格则是他大脑思维能力从有意识至无意识渐变的外在写照。我们可以从至上主义、立体主义、未来主义、野兽派、抽象主义、行动画派等众多繁杂的艺术现象中清楚的看到这样一根主线，即；绘画题材逐渐萎缩，客观世界已不再是画家们关心的主题，他们关注的是自己主观的内心情感。这样一来，失去摹仿对象的绘画，不得不从画家内心世界寻找灵感，“寻找自我”成了画家的口号。与写实绘画不同的是，现代派作品具有某种“不完全表达性”，画面没有具体的形象，没有明确的表达意图，模棱两可、辞不达意，使看惯了写实绘画的人十分茫然。我们了解到，这正是艺术家的潜意识在画面上的自然流露。（俄罗斯现代艺术家康定斯基感叹只有音乐完全摆脱了摹仿，是最纯粹的艺术方式。而绘画，或多或少总要受到现实因素的干扰。）纵观西方绘画的发展，总的框架是形式上由写实到写意的演变、具象朝抽象发展，而思维方法上就是意识转变为潜意识这一过程。

什么是三维立体装饰画

插画师零基础一般要学多久?

只学习绘画方法和工具产品使用的话,一两月就可以了。后期是需要大量时间钻研自己的画风和作品完整性,审美造型能力和想法输出成型,是更重要也是更难的。可以多看看自己喜欢的风格和优秀插画师作品,先学习临摹,最后再原创!尊重版权,守护原创

UI设计师,是目前中国设计市场一个需求量非常大的领域。

作为一名合格的UI设计师还是需要掌握比较多的技能呢。所谓技多不压身,只求找到一份心意的工作。而成长与21世纪初期的00后们,不仅仅具有自己独特的思维空间,有想象力,并且敢于实践,这些都是一个UI设计师应该具备的技能!

UI设计课程内容如下,仅供参考:

第一阶段:设计基础课

软件、美术基础篇

Photoshop软件基础

Illustrator软件基础

美术基础

数位板操作

设计基础篇

平面构成

立体构成

色彩构成

图形创意

版式设计

品牌设计

掌握核心技能

1熟练掌握软件基本操作

2美术基础与板绘技巧

3图像创意合成技法

4板式设计原理,画面排版布局

阶段课程特点

结合软件操作基础,完成对平面设计、电商设计、品牌设计等初级设计师所需技能的掌握,不掺杂营销、电商运营技巧等无用知识,扎实学员设计功底,为后续高级课程做铺垫。

第二阶段:互联网插画设计课

插画基础篇

构图方式

互联网插画特点与常见风格

简易夸张造型

互联网插画使用场景

比例关系

不同使用场景的配色技巧

几何造型法讲解

互联网教育类企业造型特点

插画进阶篇

扁平风格插画

肌理插画

插画闪屏页设计

Doodle描边风格插画

伪3D插画

矢量插画

掌握核心技能

1熟练商业插画常用风格的技法表现

2掌握多种造型风格

3熟悉插画在互联网设计中的使用场景

4掌握配色与构图技巧

阶段课程特点

案例全部使用数位板结合软件进行绘制,提高作品质量,授课思路与方法完全适用于互联网设计特点,摒弃传统美术艺术思维,利用插画组件化概念进行作品创作,顺应岗位需求,提高工作效率。

第三阶段:互联网运营设计课

运营基础篇

banner设计

字体设计

裂变海报设计

运营长图排版

运营提升篇

运营设计思维

活动主KV设计

运营设计延展规范

活动专题页设计

公司设计中台系统与组件化概念

掌握核心技能

1熟练掌握运营设计思路与设计流程

2活动专题页与运营长图排版规范

3字体设计方法

4运营延展物规范

阶段课程特点

不只是讲作图、讲软件,需要结合企业设计标准,进行案例分析,熟知互联网运营设计规范的同时,也能了解职场中如何体现设计价值,利用漏斗分解法、杜邦分解法等方法论培养学员从设计执行者到形成自己独立思考能力以及设计理念的完整过度,真正意义上实现全链路设计思维的授课模式。

第四阶段:C4D三维制作课

C4D建模篇

C4D常用工具介绍

多边形建模

曲线建模

角色建模

骨骼绑定与调整

灯光材质

软件篇

OC渲染器

阿诺德渲染器

MarvelousDesigner布料制作

掌握核心技能

1熟练掌握建模步骤与方法

2掌握灯光材质参数调整以及主流渲染器

3熟练掌握角色骨骼绑定与调整

4三维立体字设计

阶段课程特点

除了基本的建模方式和材质灯光渲染等必学的制作技法外,我们还要着重培养学员从二维到三维表现力,如何与插画作品相结合;作品风格时尚前卫,打破电商风格的局限性,作品使用范围更广泛。

第五阶段:UI设计基础课

UI设计基础篇

Sketch软件与常用插件

icon设计规范与制作方法

iOS系统规范

Android系统规范

网站类型介绍

网站页面设计规范

UI设计进阶篇

交互导航范式

界面布局与层级关系

卡片流与组件化概念

首页、详情页、个人中心

为空页面设计

掌握核心技能

1熟练掌握Sketch软件基本操作

2熟悉各平台系统规范

3掌握页面视觉层级划分与组件化概念

4了解UI界面设计风格

阶段课程特点

课程案例均以线上主流APP为主,针对性、实用性强,UI组件系统与常见界面设计思路相结合,打磨UI界面组件的精细度,提高界面视觉质量。

第六阶段:Workshop实战项目

UXD篇

产品设计与服务设计概念

用户体验设计方法

Workshop项目篇

产品设计流程

分小组项目合作

交互手势与文档规范

Principle交互动效制作

产品汇报

掌握核心技能

1熟悉互联网产品设计流程

2掌握用户研究方法

3掌握交互手势与交互动效制作

阶段课程特点

根据企业项目设计流程进行小组实战演练,结合5W1H分析法、竞品分析、用户体验地图、SWOT分析法等用研方法进行项目制作,不仅要有视觉层级展现,还要从商业角度出发,掌握如何保障设计方案的可用性和易用性,提高设计产出的专业度,更贴合岗位需求,向一线设计师靠拢,课程增加方法论的实战性,接受程度高。

第七阶段就业指导课

作品集篇

阶段作品完善与包装规范

作品集封面设计

设定作品集视觉规范

面试指导篇

简历制作标准

面试流程与经验分享

表达能力训练

模拟面试

阶段课程特点

本阶段课程分为两部分,作品集制作与面试指导。作品集作为设计师重要的敲门砖,为了让学员在短时间内制作出精美作品集,我们将包装方法精细化、模版化,并且根据所学排版知识和设计规范的定义,让学员作品集更加专业、整齐,根据学员就业方向,将作品进行分类和排序,以提高学员专业度。面试指导会通过企业老学长进行模拟面试,高度还原企业面试过程,调整学员面试话术,提高通过率。

用企业真实项目案例,还原实际工作模式和流程,确保所学即所用!

扁平化插画的话,它有很多种的风格,这个风格的话因人而异。

黄圣依是35岁，徐子淇也是35岁，同台比美，画风竟如此尴尬？

随着生活水平的提高，现在大家越来越注重家庭装修这一块，希望自己能够花最少的钱住上自己最满意的房子，不仅要贴心舒适，更要大气一点，把主人的气场拿出来，让别人一进门就能感到自己的装修与众不同，别有新意。

三维立体画，以其逼真、鲜活、深邃、旷远、变幻神奇的效果，越来越受人们的喜爱和热宠，触手可及，呼之欲出的立体逼真感，给人们带来强烈的视觉冲击。当今平面转立体技术运用范围的广泛性及其不可替代的科技含量和观赏收藏价值，决定了其强大的生命力和发展力。目前推出的三维立体装饰画题材包括：?1、自然风光山水画?2、动植物花卉类立体装饰画?3、世界名画油画类?4、名家名画?5、静物类写真立体装饰画?6、吉祥、祝福、喜庆类立体装饰画?7、宗教类立体装饰画?8、卡通类装饰画?9、人物写真类。高贵、时尚、前卫、个性立体装饰画广泛应用于家庭，宾馆，会议室，接待大厅等地方的装饰。

见识过的一般爱不释手，没见到过的，一旦见到会感觉非常神奇

画面色彩逼真，光亮，层次感强，画质细腻，丰满；体现各种元素，极具立体感和纵深感，效果栩栩如生，如同就在眼前，唾手可得；

表现各种图案和意境，更加真实，而且具有强烈的视觉冲击力，呼之欲出，有身临其境的感觉；?可以直接用作墙画，壁纸，或者镜框装裱会更显豪华高档；更适合办公、酒店、宾馆、洗浴中心、公共场所、场所、家庭装饰行业、广告行业………

如

nana的画风叫什么

提及黄圣依，90后的朋友们必定晓得她是“天仙配”里的与董永相恋的七仙女，戏外更是与杨子构成了完善家庭，成为朱门妻子。颜值和气力与黄圣依相配的徐子淇更是嫁给了香港富人之子李家诚，成为了千亿朱门的妻子。

黄圣依一件吊带裙，暴露了她那引觉得傲的锁骨，显出了她那微细的肩膀，站在这绿草地上显得非常是漠然，非常是文雅。

脚上穿的是通明的一字肩的高跟鞋，鞋子用玄色的绑带既简略还会显得非常前卫，也将她那美腿表现的非常完善，真的是非常养眼，非常诱人。

裙子主体接纳玄色的，给人一种秘密的气味，却又有举止高雅的气质，再加上脖子上带着的项链，真的是颜值在线，着装也是杠杠的。

裙子接纳荷叶边的非常是精巧，白色的荷叶边反衬出了她那白净的皮肤，半露香肩，脸上更是飘溢着美满的笑脸，真的羡煞旁人，淑女的站姿也是佩戴着光环在身啊。

徐子淇这身搭配也是非常养眼，非常幽美的，玄色的上衣，搭配一件不规律的是非格格的长裙，再加一双白色的高跟鞋，搭配的非常前卫，都发放着气场。

看她的上衣接纳的是斜肩的，但同时也是加了一点一字肩的感受，叠加在一路，只是更好地表现了她的俊俏的身段，那两个细腻的锁骨也是非常是非常抢镜的。

手上拿着的是一款略带因循气味的包包，给她文雅的气质又增加了一丝因循的滋味在此中，脸上的笑脸，也无是不表现她是非常美满的模样，真的是位人生大赢家。

裙子接纳不规律的，既前卫又是非常潮的一种，脚上的鞋子也与裙子搭配的非常合拍。如许的穿戴非常是崇高，也是朱门太太的符号，也是相配的有范的。

黄圣依是35岁，徐子淇也是35岁，二人同台比美，画风竟云云为难？同是嫁入了朱门的两片面，两片面的气场，颜值，另有气力都旗鼓相配，但两片面的穿衣样式却也有着些许的类似，你会稀饭谁的呢？

欧洲时装秀太过前卫看不懂，难道时尚就是奇形怪状？

我觉得应该是 白描派 吧

看看下面这个应该会有帮助

分类学——关于画风的分类

我们在看时，能收到的第一印象，不会是情节，不会是思想性，而是画风与画技。所谓画风，即是绘画的风格，凡是成功的画作，都必有它独特的风格。画风能反映出作者的性格与内心思想，我们还能由画风推断出其作品的总体风格。所以，如果我们在看前，如果能对其画风有充分地了解，我们就可以更辩证、更主动地去理解这部作品，从而在能在阅读的过程中将其思想内涵进一步升华。下面我们就以日本为例，来具体看一看究竟画风可以怎样去分类。

一写实派

按道理来说，“”这个形式根本不能说成是“写实”。但相对而言，有很多在画风上，写实效果很不错。我这里所说的写实，主要是指中的人物画得像，五官的形状、身体的比例、衣服的效果，都依照真实的模样来呈现；另外，人物所处的环境，像街道房屋之类的，都画得如同真实世界一般。没有刻意的虚构夸张，这就是所谓的“写实”。这种风格的作品，往往能给人以真实的震撼感，让人全身心地跟着作者的思路走，因为我们在第一印象上，就对这部作品已经有“真实”这种看法了。写实派作品已经不是当下的主流，但它却不乏成功、经典的作品。最出名的当属《城市猎人》了，这部作品剧情跌宕起伏，再加

上作者出众的画技，称得上是经典中的经典。另外，《北斗神拳》也是写实派中很棒的作品。

二白描派

《现代汉语词典》对“白描”的解释是：“国画的一种画法，纯用线条勾画，不加彩色渲染。”中的白描派，着实没有什么明显的特点。绘画技法趋于简单，多以线条为主；五官、脸型上没有过多的修饰，画面也称不上华美；但画出来依旧是脸蛋尖尖，眼睛大大，男的都挺帅，女的都挺靓——这就是我所说的“白描派”。使用白描的画风，是一种聪明的选择，既节省了劳动了，又往往能收到较好的效果。这一派中成功的作者是高桥留美子，《乱马》是经典之作，《犬夜叉》也是人气颇高。另外还有一些少女都属白描派，这里就不多举例了。

三唯美派

“一切为了唯美”这是大多数唯美派的作风。强烈追求画面的华丽使他们的最大特征；一般来说，唯美派的画者往往不仅仅追求画面的唯美，就连剧情、意境、内涵都要向唯美靠拢；有时候为了追求唯美的效果，甚至牺牲了剧情的逻辑性，所以有些人看此类时会觉得莫名其妙，这也是唯美派作品往往不能得到普及的主要原因。但支持他们的人也不少，而且多是铁杆的粉丝，这就使的唯美派作品能绵延不绝，长盛不衰。说到唯美，首推CLAMP的作品。clamp多年来坚持走唯美路线，她们的《圣传》《X》《card captor樱》等都是非常受欢迎的作品。另外像由贵香织里、钟村有菜等作者都属唯美派画风。

四简单派

简单派，顾名思义，就是画风简单，画技单调，有时丝毫不追求画面的美感，只是做到把意思表达到了就行了。这样的作品，虽然在画面上没有丝毫优势，但往往有非常精彩的剧情作保证，也能成为相当棒的作品,而且此类作品的普及率往往相当高。比如说《机器猫》《蜡笔小新》，人气之高就不必我再说了。《海贼王》吗……画面还不算太简单，就姑且算是“简约”吧。

五草稿派

相信任何一个画者都不会把自己尚未成型的草稿拿出来见读者，但有这么一些作品看上去就是像草稿——阴影用斜线描描，放射线与画面交接地很粗糙，有时候人物边缘还没擦干净——不算草稿，也称得上是半草稿了。这样的作品也大多有很好的剧情，群众基础虽不及简单派，但比起其它的要受欢迎的多。《火影忍者》大家都很熟悉了；《猎人》……其作者傅坚义博还真是牛掰，直接把草稿拿出来发表，不过《猎人》真的很好看。

六可爱派

有很多昙花一现的都走的是可爱路线。这一类作品中，人物都是眼睛能多大就多大，越是主角眼睛越大；然后嘴巴小小，下巴尖尖，身材要多好有多好。这种风格的作品少有大作出现，但其数量众多，故分出一类。

按照画风，日本基本上可粗略地分为以上六类。还有很多特征不是很明显，大家可以试着载以上几种类别之中过渡一下。需要提到的是，有一些在连载的过程中画风会出现改变，像是蛭田达也的《功夫旋风儿》，前期的风格是白描派，到了后期就趋于写实派了。我们谈了这么多画风的问题，但大家一定要清楚，画风究其所以，是要为了剧情以及思想的。我们在看时，还是要把剧情放在第一位。

个人觉得 lz要的那种细细长长的人物里蛮多的 比如 吸血鬼骑士 隐王 黑执事 不知道你喜不喜欢耽美 loveless 也不错 好多的

每次看到时装秀上，们穿着设计奇葩的衣服一本正经地走猫步，我们都会想到，这么不切实际的衣物设计出来到底是给谁穿的，时装秀的画风是怎么发展成我们越来越看不懂的凌乱状态。

说起时装秀，不得不说的一个城市，巴黎。1391年, 法国王后伊莎贝拉用木材和粘土制成大小的人体模型，穿上新颖的宫廷服装，作为礼物赠送给英国王后安妮。这种玩偶当时被称为“时装玩偶”，它与今天陈列在时装店的人体模型已经十分相似了。“时装玩偶”在欧洲盛行，逐渐成为礼仪风俗。不少国家的上层社会以摹仿法国宫廷的衣着打扮为“时髦”。服装设计师也会将穿着自己设计的衣服的玩偶送给客户，以推销自己的服装。19世纪在美国和英国还先后举办了玩偶时装展，令人耳目一新，被认为是现代时装表演的前身。

最近这些年，时装表演形式更加进入多元化发展时期，秀场上出现越来越多让人捉摸不透的艺术性设计，实用性几乎为零。那是因为时装秀不再像它刚开始那样只是单纯地营销要卖出去的服装，更多的是偏向艺术上的审美和创新，而不是实用性功能。从这一点上看，身上穿的东西和展览里的艺术品意义差不多。

虽然设计师并不指望有谁会花钱买下自己设计的这些“奇装异服”，但是展出这些服装是要花不少钱的——平均一场秀要花费大约4万美元。这些秀的作用在于宣传自身品牌，以及让别人了解设计师的风格，甚至碰撞出艺术的火花或者更多设计的灵感。